MOVIEDICK

Memorias de una geisha (o cómo destrozar un buen libro)

2008-08-09T13:27:00.003+03:00

Ayer mismo tuve la ocasión de ver, una semana después de haber terminado de leer el libro, Memorias de una geisha, película dirigida por Rob Marshall hace tres años, y que gozó de una gran acogida tanto por público como por crítica. Al tener el privilegio de poder comparar, con conocimiento de causa, el libro y la película, puedo afirmar que, probablemente, esas mismas personas que tan buena crítica realizaban sobre la película no han leído, casi con toda seguridad, el libro en el que esta está basada. Y es que me niego a pensar que a alguien que haya tenido la ocasión de leer esta novela pueda gustarle esta película. Sí, vale, el maquillaje, los decorados, la fotografía y la banda sonora son sublimes, pero eso no cambia el hecho de que la película no se asemeje al libro tanto como debería. A continuación explicaré esto un poco más a fondo.

Para empezar, tratar de adaptar en poco más de dos horas una novela de cerca de 650 páginas es, de por sí, un error, por no llamarlo una auténtica locura. Pienso que los escritores, en este caso Arthur Golden, deben saber si su libro puede o no llegar a ser adaptado a la gran pantalla. Y aunque no lo sepan, siempre podrán tener una mínima idea, y por eso pienso que el primer error de Arthur Golden fue permitir que su novela -que, sin llegar a ser una obra maestra, es una buena novela- fuese adaptada al cine. Sí, ganarás mucho más dinero y probablemente hagas que las ventas de tu libro aumenten, pero el precio que hay que pagar es el de la total destrucción de la historia que inicialmente creaste. Una novela tan amplia y con tantos detalles como Memorias de una geisha es imposible llevarla al cine. Completamente imposible. Esto se traduce en un ritmo demasiado acelerado de la película. La historia no parece permanecer en la misma época ni un solo momento, sino que está avanzando constantemente, transformando segundos en meses y minutos en años, lo que lleva al espectador alto grado de confusión y a no tener ni un solo instante para pararse a pensar y a asimilar lo que acaba de ocurrir. Además de este ritmo excesivamente acelerado de la película, que hace saltarse varias partes de verdadera importancia en el libro -como, por ejemplo, los años de la guerra, que en la película se traducen en tan solo dos escenas-, hay ciertos detalles que la película cambia con respecto al libro o que, aun tratando de hacerlos similares, no refleja fielmente lo que el autor nos quería decir en su novela. Algunos de estos detalles pueden ser: la escasa importancia del señor Tanaka en la película; el carácter que Mamita, la Abuela y Hatsumono tienen en la película, completamente alejado del que aparece en la novela (en el libro, el lector llega a odiar a estos personajes hasta límites insospechados, mientras que en la película el espectador tan solo puede llegar a sentir algo de odio por Hatsumono); el aspecto físico del personaje de Nobu de la película está totalmente alejado del personaje del libro, pues en éste se le presenta como alguien con la cara llena de quemaduras, completamente destrozada por la guerra, y con un brazo amputado, cosa que en la película no es así (salvo unas pequeñas cicatrices que se le observan en la parte derecha de la cara); el trato que Mameha y Mamita hacen en la película con respecto al futuro de Sayuri, cosa que influirá en el resto de la historia, se targiversa completamente para su adaptación cinematográfica. Podría pasarme mucho tiempo enumerando casos como estos, pero creo que con lo que ya se ha dicho anteriormente, uno puede hacerse una idea de cómo es posible destrozar un buen libro a la hora de tratar de llevarlo a la gran pantalla.

El hombre esponja

2008-07-16T14:36:00.003+03:00

Aquí os dejo un corto dirigido por J. A. Bayona, autor de El orfanato. El corto se titula El hombre esponja, y está basado en el relato El hombre que ríe, de J. D. Salinger. Antes de nada, me gustaría darle las gracias a Luis Niño por hacerme descubrir este corto.

Parte 1/2

Parte 2/2

As time goes by

2008-06-22T12:18:00.001+03:00

Fallece Dino Risi

2008-06-08T00:31:00.002+03:00

En los últimos meses se nos han ido estrellas como Anthony Minghella, Charlton Heston o Sydney Pollack, entre muchos otros, y parece que esto no acaba aquí, pues hoy ha fallecido el director italiano Dino Risi. La siguiente noticia ha aparecido hoy en el diario 20 minutos:

El cineasta italiano Dino Risi, considerado uno de los padres de la comedia italiana, falleció hoy en Roma a los 91 años, informaron medios locales. Risi, director de películas como Profumo di donna (Perfume de mujer), falleció en su casa de la capital italiana en la que vivía desde hacía años.

Nacido en Milán (norte) el 23 de diciembre de 1916, durante su larga carrera en el mundo del cine fue director, guionista e intérprete. Risi estaba considerado, junto a Luigi Comencini, Ettore Scola, Mario Monicelli y Nanni Loy, uno de los padres de la comedia italiana, género cinematográfico de gran éxito internacional en los años 50 y 60.

Il Sorpasso (La escapada) (1962) y Poveri ma belli (Pobres pero guapos) están entre los títulos más famosos de su carrera de cineasta, campo al que tardó en acercarse, pues primero se licenció en medicina, se especializó en psiquiatría y trabajó como periodista. Su primer largometraje llegó en 1952, Vacanze col ganster, pero el éxito le llegó en 1955 con Pane, amore e..., continuación de las famosas Pane, amore e fantasia y Pane, amore e gelosia, comedias que narran las vicisitudes del mariscal Carotenuto, interpretado por Vittorio de Sica.

Risi trabajó también con Alberto Sodi, Nino Manfredi y Vittorio Gasmman, una casta de intérpretes que marcó una época en el cine italiano. Risi, que recibió el Leon de Oro del Festival de Cine de Venecia a toda su carrera en 2002, rodó su última película, I miei mostri, en 2005.

Harán una película sobre Miguel Hernández

2008-06-06T19:11:00.004+03:00

Acabo de leer en la página web del diario 20 minutos que, para el año 2010, con motivo del centenario de su nacimiento, se realizará una película sobre el gran poeta Miguel Hernández, uno de los más importantes del siglo XX español.

La producción de la película correrá a cargo de la sociedad Centenario Miguel Hernández S. L., y aunque no se ha confirmado quién será el director, sí que se ha podido saber que la película estará escrita por el guionista Curro Royo, que ha participado en series tan conocidas como Cuéntame, El Comisario, Periodistas o Médico de Familia, además de en las películas El club de los suicidas y 13 campanadas. Curro Royo ha estado esta semana de visita en Elche documentándose en los archivos de San José, que custodian el legado del poeta. También se ha confirmado que el ayuntamiento de Elche participará en la financiación del guión.

La producción tiene un presupuesto inicial de 25 millones de euros, y la empresa encargada de aportar el dinero tiene pensado contratar a un director y a un actor protagonista de cierto renombre, para ayudar a que la película se convierta en un gran éxito de taquilla. El inicio del rodaje está previsto para 2009.

Puedes ver la noticia completa pulsando aquí.

¿Qué es?

2008-06-05T21:41:00.003+03:00

Desde hoy me he propuesto dedicarme más a este blog, que lo tenía un poco abandonado, y tratar de darle un nuevo enfoque distinto. Empiezo con una nueva sección sobre canciones de cine, y la primera que he escogido es esta famosa canción de Pesadilla antes de Navidad.

Fallece Sydney Pollack

2008-05-27T11:47:00.003+03:00

La siguiente noticia viene recogida en el diario 20 minutos, y puedes verla pulsando aquí.

El actor y director estadounidense Sydney Pollack ha fallecido a los 73 años, según The New York Times. Director, productor y, en ocasiones, actor, ha firmado películas que ya forman parte de la historia del cine como Tootsie, Memorias de África y recientemente La intérprete.

Murió el lunes en su casa a causa de un cáncer según ha informado un portavoz de la familia. Pollack ganó dos Oscar, al mejor director y mejor película por Memorias de África en 1985. Fue también conocido por su faceta de actor en películas como Michael Clayton y Eyes Wide Shut.

Tras unos años alejado de la gran pantalla reapareció en 1995 con Sabrina y sus amores, adaptación de la célebre película que Billy Wilder rodó en la década de los 50, y cuatro años después Caprichos del destino.

Después de un irregular comienzo como director de cine, fue nominado al Oscar en 1969 por Danzad, danzad malditos, también premiada en los festivales de Cannes, Bruselas, y Belgrado. Realizó varias películas protagonizadas por Robert Redford, entre ellas Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972), con la que obtuvo un gran éxito de crítica que se repetiría en el filme Tal como éramos (1973).

En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman, y Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, película que obtuvo 10 nominaciones al Oscar. Otras películas de su filmografía son Yakuza (1974), El jinete eléctrico (1979), La tapadera (1993) y Caprichos del destino (1999). Como actor ha intervenido en un gran número de producciones, como la propia Tootsie, Maridos y mujeres (1992, de Woody Allen) o Eyes Wide Shut (1999, de Stanley Kubrick).

Pollack, distinguido en 2002 por el Festival de Cine de Locarno (Suiza) con un Leopardo de Oro Honorífico a su trayectoria, combinó la realización con la labor de producción para otros directores, sobre todo en los últimos tiempos.

Sus últimos proyectos fueron The Reader y Margaret, películas que está previsto que se estrenen este año, y Michael Clayton (2007) -en la que también actuó-, nominada a mejor película en la pasada gala de los Oscar.

Made of Honor, filme que está actualmente en la cartelera de EE UU, pasará a la historia como su última aparición en la pantalla por su papel de Thomas Bailey. Este cineasta y productor estadounidense nació en la localidad de Lafayette el 1 de julio de 1935, en el Estado de Indiana, estaba casado y tuvo tres hijos, uno de ellos falleció en 1993 en un accidente aéreo.

Carrotblanca

2008-05-18T19:39:00.002+03:00

Carrotblanca es la versión de los Looney Tunes de la película Casablanca. Dura tan solo ocho minutos, y está en versión original sin subtitular.

Persépolis

2008-04-13T14:27:00.004+02:00

Título original: Persepolis.
País: Francia.
Año: 2007.
Dirección: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Guión: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Género: Animación.
Duración: 95 minutos.

Persépolis cuenta la historia de una joven que crece en el Irán de la Revolución Islámica. A través de los ojos de Marjane, una precoz y abierta niña de nueve años, vemos las esperanzas de un pueblo rotas al tomar los fundamentalistas el poder. Los padres de Marjane toman la difícil decisión de enviarla a una escuela de Austria. Vulnerable y sola en un país extraño, resiste los malos tragos típicos de una adolescente mientras combate el hecho de ser equiparada con el fundamentalismo religioso y el extremismo de los que tuvo que huir. La aventura por la vida de Marjane acaba de comenzar.

Basada en el cómic del mismo nombre, Persépolis cuenta la historia real de Marjane Satrapi, escritora y directora de la película, y la situación que tuvo que tuvo que vivir en Irán a finales de los setenta y principio de los ochenta, época en la que la lucha por tratar de hacer que el país progresase acabó produciendo un retraso respecto a otros Estados que todavía hoy es fácil de apreciar. La película estuvo nominada al Globo de Oro en la categoría de mejor película de habla no inglesa y al Oscar en la de mejor película de animación. Una historia muy conmovedora que merece la pena ser sabida por todos, para así poder ver las dificultades de nacer en Oriente Medio.

Lo mejor: La escena en la que Marji habla con Dios por primera vez.

Lo peor: Que la película refleja una realidad.

Fallece Charlton Heston

2008-04-07T01:54:00.007+02:00

El actor estadounidense Charlton Heston (4 de octubre de 1924) falleció el pasado 5 de abril, a los 84 años, en su residencia de Beberly Hills, tras llevar desde el 2002 con una enfermedad degenerativa similar al Alzheimer, que le mantuvo apartado de la gran pantalla durante estos últimos años.

La época dorada para Charlton Heston llegaría durante la década de los 50, con películas como El mayor espectáculo del mundo (1951), de Cecil B. DeMille; Cuando ruge la marabunta (1954), de Byron Haskin; El secreto de los incas (1954), de J. Hopper; Horizontes azules (1955), Los diez mandamientos (1956), de C. B. DeMille, y Sed de mal (1957), de Orson Welles, etc. El mayor éxito de su carrera llegaría con Ben-Hur (1959), de William Wyler, con la que conseguiría su primer y único premio Oscar, en este caso en la categoría de mejor actor principal. Charlton Heston nunca obtendría ni siquiera una nominación más a los premios más prestigiosos de la industria cinematográfica.

En las décadas de los 60 y 70 protagonizaría películas como 55 días en Pekín (1963), El Cid (1961), El planeta de los Simios (1970), Terremoto (1974) y Aeropuerto 75 (1975), entre muchas otras.

Al final de su carrera saldría en el documental Bowling for Columbine, de Michael Moore, que criticaba la cantidad de armas en los EE.UU. Heston salía siendo entrevistado como presidente de la Asociación Nacional del Rifle, cosa por la cual fue criticado por Moore en su documental, ganador de un premio Oscar. Como curiosidad, decir que también al final de su carrera, en el año 2002, recibió un premio Razzie al peor actor.

Se nos va una leyenda del cine. Probablemente uno de los mejores actores de la historia. Descanse en paz.

Más sobre Charlton Heston en: http://es.wikipedia.org/wiki/Charlton_Heston

y
http://www.imdb.com/name/nm0000032/

Fallece Dith Pran

2008-03-31T15:07:00.004+02:00

No fue actor, ni director ni trabajó para la industria cinematográfica, pero me veo obligado a comentar en este blog el fallecimiento de Dith Pran, cuya historia fue llevada al cine en 1984 en la película Los gritos del silencio.

Dith Pran nació el 27 de septiembre de 1942 en Camboya, y su historia es digna de ser contada: en 1972, Dith Pran, fotógrafo de profesión, comenzó a trabajar junto al periodista Sydney Schanberg cubriendo la guerra civil de Camboya. Sin embargo, en 1975, tras no hacer caso a una orden de evacuación de Phnom Penh, donde se encontraban en ese momento, con el objetivo de cubrir más de cerca la caída de la ciudad frente a los Jemeres Rojos, nuestros protagonistas fueron capturados por éstos, junto a otros dos periodistas más. Dith consiguió convencer a los Jemeres Rojos de que las otras tres personas que habían capturado eran periodistas franceses neutrales, logrando que los dejasen en libertad. Sin embargo, Dith Pran, lejos de ser puesto en libertad junto a sus compañeros, fue enviado a campos de trabajo en Camboya, más conocidos como "campos de la muerte", donde sufrió hambre y tortura durante cuatro años.

Tras esos cuatro años de tortura, Dith consiguió escapar a Tailandia, donde se puso en contacto con su antiguo compañero, Sydney Schanberg, que estuvo todo ese tiempo tratando de encontrar a Pran, sin éxito. Tras esa llamada, Schanberg acudió inmediatamente a aquel país para rescatarlo por fin. A partir de ese momento, Dith comenzó a trabajar en EEUU como fotógrafo para el New York Times.

La historia vivida por Dith Pran y Sydney Schanberg fue llevada al cine en 1984 en la película Los gritos del silencio, ganadora de tres Oscars (entre ellos el de mejor actor secundario para Haing S. Ngor, que interpretó a Pran en la película. Ngor también vivió en primera persona el conflicto camboyano, y fue asesinado en 1996 por miembros de los Jemeres Rojos). Además, Schanberg ganó el premio Pulitzer de 1976 por el artículo en que contaba la cobertura del conflicto camboyano, donde también se mencionaba el nombre de Dith Pran.

Creo que esta noche volveré a ver esa película. Descanse en paz.

Artículo también disponible (con algunas pequeñas modificaciones) en: http://www.caoticologia.blogspot.com/ y http://blogsenconexion.blogspot.com/.

Memories of Murder

2008-03-23T12:00:00.007+02:00

Título original: Salinui Chueok.
País: Corea del Sur.
Año: 2003.
Dirección: Bong Joon-ho.
Guión: Sung Bo Kim, Bong Joon-ho, Kim Kwang-rim.
Reparto: Song Kang-Ho, Kim Sang-Kyung, Kim Roe-Ha, Song Jae-Ho, Byeon Hie-Bong, Ko Seo-Hie, Park No-Shik, Park Hae-Il, Jong-Ryol Choi.
Género: Misterio, Drama.
Duración: 130 minutos.

La historia cuenta los hechos reales que sacudieron Corea del Sur en 1986, cuando apareció la figura de un asesino en serie que capturaba a una mujer en las noches de lluvia para después violarla y asesinarla. La película nos narra toda la investigación policial que se llevó a cabo para conseguir atrapar al asesino.

Basada en hechos reales, esta película cuenta los macabros hechos que ocurrieron en Corea del Sur en 1986, así como la gran repercusión que tuvieron a nivel nacional y la desesperación e impotencia de los policías al ver que apenas conseguían avanzar, llevando incluso a forzar a los sospechosos para que hiciesen falsas declaraciones de culpabilidad, para tratar con ello de calmar al país. La película está adaptada al cine de forma excepcional por Bong Joon-ho, con un guión que consigue mantenerte atento las más de dos horas que dura la película. A destacar la actuación del protagonista, Song Kang-ho, y la excelente fotografía. Una de las mejores películas surcoreanas de los últimos años.

Lo mejor: que consigue mantenerte atento durante 130 minutos.

Lo peor: que todo esto ocurrió de verdad.

Fallece Anthony Minghella

2008-03-21T22:26:00.008+02:00

El pasado 18 de marzo falleció Anthony Minghella (1954 - 2008), el que fuera director de una de las películas más premiadas en los Oscar de toda la historia, El paciente inglés (nueve estatuillas, entre ellas la de mejor película).

Precisamente fue esa película, por la que consiguió el Oscar a la mejor dirección, la que llevó a este director al estrellato, convirtiéndolo en uno de los grandes directores de Hollywood. Posteriormente dirigiría otras películas de renombre como El talento de Mr. Ripley, que supuso el gran salto a la fama de Jude Law, y Cold Mountain, que supuso también el salto definitivo de Renée Zellweger, ganadora del Oscar a la mejor actriz secundaria por esta película.

Se nos va uno de los mejores directores de la última década. A nivel personal, yo me quedo con El talento de Mr. Ripley. Descanse en paz.

Anthony Minghella en IMDb: http://www.imdb.com/name/nm0005237/

Cuentos de Terramar

2008-03-21T13:20:00.004+02:00

Título original: Gedo Senki.
País: Japón.
Año: 2006.
Dirección: Goro Miyazaki.
Guión: Goro Miyazaki, Keiko Niwa, Ursula K. Le Guin.
Género: Animación.
Duración: 115 minutos.

En el maravilloso reino de Terramar, cosas extrañas comienzan a ocurrir... Lo más sorprendente es la visita de dragones provenientes de tierras lejanas. Estos fenómenos son tan extraños que Gavilán, un reputado mago, decide investigar su causa. Durante su viaje conoce al príncipe Arren, un impetuoso joven con un profundo lado oscuro que en los momentos críticos le confiere fuerza, odio y crueldad, sobre todo cuando se trata de la protección de Theru. Para la bruja Cob, ésta es la oportunidad que estaba esperando: va a aprovecharse de los temores de Arren para poner en su contra a la única persona que podría ayudarle, el mago Gavilán.

Película de animación dirigida por Goro Miyazaki, la hija del gran Hayao Miyazaki (ganador del Oscar por El viaje de Chihiro), y que supone la obra prima de la joven directora. La película es una adaptación del libro de Ursula K. Le Guin, quien en un principio pretendía a Hayao Miyazaki para la dirección, pero debido a la indisponibilidad de éste, que estaba volcado en el rodaje de El castillo ambulante (por la que obtuvo otra nominación al Oscar), fue finalmente su hija la que decidió hacerse cargo del proyecto, pero eso sí, no con todo el éxito que se esperaba en un principio, pues la película ha pasado bastante inadvertida para el público, y ha sido, a mi opinión, muy infravalorada por la crítica, que califica ésta como una simple película más. A mí, personalmente, me parece una gran película, teniendo en cuenta las dificultades que conllevan adaptar un libro de tales características a una película de algo menos de dos horas. Creo que Goro Miyazaki está preparada para suceder a su padre, el maestro indiscutible del cine de anime japonés.

Lo mejor: el estilo de anime de los Miyazaki, que parece ser cosa de familia.
Lo peor: ha estado muy infravalorada.

Rejected

2008-03-19T14:37:00.004+02:00

Este cortometraje fue dirigido en el año 2000 por Don Hertzfeldt, y estuvo nominado al Oscar al mejor cortometraje de animación. Está en versión original (inglés) sin subtitular. Espero que os guste.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0234588/

Descubriendo Nunca Jamás

2008-03-15T23:52:00.004+02:00

Título original: Finding Neverland.
País: Estados Unidos.
Año: 2004.
Dirección: Marc Foster.
Guión: Allan Knee, David Magee.
Reparto: Johnny Depp, Kate Winslet, Julie Christie, Dustin Hoffman, Radha Mitchell, Nick Roud, Joud Prospero, Freddie Highmore.
Género: Drama.
Duración: 106 minutos.

La película, basada en hechos reales, cuenta el proceso de creación, desde sus inicios hasta su estreno en los teatros, de una de las obras de carácter infantil más famosas de todos los tiempos, "Peter Pan", escrita por James Barrie (interpretado por Johnny Depp). Además, la película cuenta la estrecha relación entre James Barrie y Sylvia Llewellyn Davies (Kate Winslet) y los hijos de ésta, y cómo todos ellos influyeron en la creación de esta obra de teatro.

Johnny Depp fue nominado al Oscar por dar vida en esta película a James Barrie, autor de la famosa obra "Peter Pan", en la que está basada esta película, que narra todo el proceso de creación y todo lo que lleva a James Barrie a crear "Peter Pan", a través de un guión perfectamente llevado al cine por David Magee (nominado al Oscar), en el que se mezcla la realidad con las historias de ficción que el protagonista va imaginando a lo largo de la película. Esas historias de ficción ponen el toque alegre y fantástico a una película realmente triste y que a más de uno seguro que le ha hecho caer alguna lágrima. Las escenas de la representación final de la obra de teatro son realmente memorables.

Lo mejor: La puesta en escena del final de la película.

Lo peor: Se echa en falta algún toque más de fantasía.

Juno

2008-03-10T14:10:00.007+02:00

Título original: Juno.
País: Estados Unidos.
Año: 2007.
Dirección: Jason Reitman.
Guión: Diablo Cody.
Reparto: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Allison Janney, J.K. Simmons, Olivia Thirlby.
Género: Comedia.
Duración: 96 minutos.

Juno (Ellen Page), una adolescente de 16 años, se queda embarazada de su amigo Paulie Bleeker (Michael Cera). Tras tomar en un primer momento la decisión de abortar, finalmente Juno decide tener el niño para dárselo en adopción a otra familia, formada por Vanessa (Jennifer Garner) y Mark Loring (Jason Bateman). La película cuenta la evolución de todo el proceso de embarazo y los diferentes problemas a los que la joven Juno se tiene que afrontar en su día a día: el instituto, la familia, el amor, la amistad, etc.

Escrita por Diablo Cody, una antigua stripper convertida en guionista, Juno resultó ganadora del premio al mejor guión original en la pasada edición de los premios Oscar; además, la película consiguió 18 de los 19 premios a los que estuvo nominada en la categoría de mejor guión en diferentes festivales, siendo el Globo de Oro el único en el que no fue galardonada. Sin embargo, la película no deja de ser una especie de copia de esas películas independientes con algún adolescente entre sus protagonistas que tan de moda están, películas que se suelen basar, básicamente, en la solidez de un gran guión, como por ejemplo Pequeña Miss Sunshine, Ghost World, Art School Confidential, Brick, Waking Life, Thirteen, y decenas de películas más de este estilo de cine que tanto gusta. Pero Juno no alcanza, ni mucho menos, el nivel de alguna de esas películas, y aunque no deja de ser una película agradable de ver, lo cierto es que, en mi opinión, ha sido muy sobrevalorada por la crítica, y se trata de una película que intenta ser graciosa sin llegar a conseguirlo, que intenta ser triste pero sin llegar a lograrlo, y que intenta hacer caer en el llanto facil y despertar diferentes sentimientos en el espectador, de nuevo sin éxito, pues esos intentos no llegan a la profundidad a la que deberían llegar, sino que se quedan en una mera superficialidad que convierte a esta película, simplemente, en una película más.

Lo mejor: La protagonista.

Lo peor: Trata de ser una película profunda, pero sus escenas no sobrepasan lo superficial.

Oscar 2008

2008-03-08T12:25:00.007+02:00

La edición número 80 de los premios más importantes de la industria cinematográfica nos dejó a uno de nuestros mejores actores, Javier Bardem, como ganador del ansiado premio Oscar, en este caso al mejor actor secundario. Sin embargo, el otro español nominado, Alberto Iglesias, no pudo alzarse con la estatuilla en la categoría de mejor banda sonora.

La gala, que se alargó hasta las 6 de la mañana hora española, dejó como grandes triunfadores de la noche a los hermanos Coen, gandores de los premios al mejor guión adaptado, mejor director y mejor película por No country for old men, que también resultó ganadora del ya mencionado premio al mejor actor secundario. Un gran tributo a los Coen, cuyas películas, salvo contadas excepciones (como Fargo o Barton Fink), han estado bastante infravaloradas en lo que a premios se refiere (no es así en cuanto a crítica).

Sorprende que entre las cuatro categorías referidas a las actuaciones no encontremos a ningún actor o actriz norteamericano que haya resultado ganador, pues aparte de Javier Bardem, español, el resto de premiados en estas categorías son una francesa, Marion Cotillard, a mejor actriz, una inglesa, Tilda Swinton, a mejor actriz secundaria, y un inglés, Daniel Day Lewis, a mejor actor principal. Lo de Daniel Day sí que tiene mérito: un actor supuestamente retirado (él mismo decidió retirarse en 1997, con solo 40 años y un Oscar a sus espaldas) y que tan solo ha aceptado tres papeles en los últimos 11 años, consiguiendo una nominación en 2003 al mejor actor principal y el máximo galardón en este 2008. Sin ninguna duda, uno de los mejores actores del momento... y de la historia.

En el resto de categorías, a destacar lo siguiente: mejor guión original para Diablo Cody, una ex stripper convertida en guionista, por la película Juno; mejor película de animación para Brad Bird por Ratatouille; mejor película de habla no inglesa para la austríaca Los falsificadores; y mejor fotografía para Robert Elswit por Pozos de ambición.

Puedes ver la lista completa de ganadores y nominados en: http://imdb.com/Sections/Awards/Academy_Awards_USA/2008

Goya 2008

2008-02-20T15:47:00.006+02:00

En primer lugar, perdón por el retraso en publicar esta noticia y por la inactividad del blog durante estas últimas semanas. Ahora voy a hablar de la entrega de los premios Goya de este año, probablemente la gala más "pobre" de la última década. No es que hubiese malas películas, pero la calidad de las que había no es comparable a la de años anteriores (y no me refiero ya al año pasado, donde esa calidad fue muy superior a lo habitual, sino a la del resto de años. Personalmente, la de este 2008 me ha parecido una de las galas más flojas desde la creación del premio).

La gran triunfadora de la noche fue La Soledad, que consiguió los tres únicos premios a los que aspiraba: película, director (Jaime Rosales) y actor revelación (Jose Luis Torrijo). La gran perdedora de la noche, El orfanato (a mi parecer, muy sobrevalorada), se alzó con cuatro galardones: mejor director revelación (J.A. Bayona), dirección artística, guión original y efectos especiales.

El resto de premios en las principales categorías fueron los siguientes: mejor actriz para Maribel Verdú por Siete mesas de billar francés; mejor actor, Alberto San Juan por Bajo las estrellas; actor secundario, José Manuel Cervino por Las 13 rosas; actriz secundaria, Amparo Baró por Siete mesas de billar francés; actriz revelación, Manuela Velasco por Rec; y mejor guión adaptado para la película Bajo las estrellas.

Lista completa de ganadores y nominados en:

http://www.imdb.com/Sections/Awards/Goya_Awards/2008

http://www.zinema.com/dossier/goya/main.htm#PALMARÉS

Javier Bardem y Alberto Iglesias, nominados a los Oscar

2008-01-24T01:52:00.001+02:00

Los españoles Javier Bardem, por su trabajo en No country for old men, y Alberto Iglesias, por The Kite Runner, han sido nominados a los premios Oscar, que se entregarán a finales del próximo mes de febrero.

Javier Bardem, por su interpretación del psicópata Anton Chigurh en la última película de los hermanos Coen, No country for old men, ha conseguido ser nominado en la categoría de mejor actor secundario. Es la segunda vez que el actor español es candidato a alzarse con la estatuilla, tras ser nominado a mejor actor principal en 2001 por su papel en Antes que anochezca. Aquel año, el ganador fue Russel Crowe por Gladiator.

Por su parte, Alberto Iglesias, el compositor español de más renombre a nivel internacional, ha conseguido por The Kite Runner su segunda nominación a estos premios, la segunda en la categoría de mejor banda sonora, tras optar a este galardón hace dos años por El jardinero fiel.

La lista completa de nominados en : http://www.imdb.com/Sections/Awards/Academy_Awards_USA/2008

Globos de Oro 2008

2008-01-15T21:20:00.000+02:00

La pasada noche del 13 al 14 de enero se entregaron los Globos de Oro, unos de los premios de más relevancia a nivel internacional dentro de la industria cinematográfica, y que sirven de antesala para la gran ceremonia de los Oscar del próximo mes de febrero. Suerte dispar para los dos candidatos españoles: Javier Bardem consiguió alzarse con el galardón en la categoría de mejor actor secundario por su papel en No country for old men, mientras que el compositor Alberto Iglesias no consiguió la victoria en la categoría de mejor banda sonora. Los premiados en las principales categorías son los siguientes:

- Mejor Película dramática: Expiación , de Joe Wright.

- Mejor Película musical o comedia: Sweeney Todd, de Tim Burton.

- Mejor Actor en drama: Daniel Day-Lewis , por Pozos de ambición.

- Mejor Actor en musical o comedia: Johnny Depp , por Sweeney Todd.

- Mejor Actriz en drama: Julie Christie , por Lejos de ella.

- Mejor Actriz en musical o comedia: Marion Cotillard, por La vida en rosa.

- Mejor Actor de Reparto: Javier Bardem , por No es un país para viejos.

- Mejor Actriz de Reparto: Cate Blanchett , por I'm Not There.

- Mejor Película de Animación: Ratatouille , de Brad Bird.

- Mejor Director: Julian Schnabel, por The Diving Bell And The Butterfly.

- Mejor película de Habla no inglesa: The Diving Bell And The Butterfly, de Julian Schnabel (Francia - Estados Unidos).

- Mejor Banda Sonora: Dario Marianelli, por Expiación.

- Mejor canción: 'Guarantedd', de Into The Wild.

- Mejor Guión: Ethan Coen y Joel Coen, por No es un país para viejos.

Lista completa de nominados y ganadores en: http://www.imdb.com/Sections/Awards/Golden_Globes_USA/2008

El columpio

2008-01-11T14:15:00.000+02:00

Este cortometraje, ganador del premio Goya al mejor corto de ficción en 1993, está escrito y dirigido por Álvaro Fernández Armero y protagonizado por Ariadna Gil y Coque Molla.

No country for old men (No es país para viejos)

2008-01-05T11:55:00.002+02:00

Título original: No country for old men.
País: Estados Unidos.
Año: 2007.
Dirección: Joel Coen, Ethan Coen.
Guión: Joel Coen, Ethan Coen.
Reparto: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson, Kelly Macdonald.
Género: Misterio, Drama.
Duración: 122 minutos.

Llewelyn Moss (Josh Brolin), cazador del Estado de Texas, descubre un día a unos traficantes mexicanos muertos que transportaban un cargamento de heroína. Junto a ellos hay un maletín con dos millones de dólares. Llewelyn decide quedarse con el dinero y huír, pero será descubierto por Anton Chigurh (Javier Bardem), quien reclama ese dinero como suyo.

Impresionante película de los hermanos Coen, la mejor de estos directores desde Fargo, una especie de western ambientado en los años 80 que cuenta la historia de un cazador de Texas y su intento de huída del mayor psicópata que se haya podido ver hasta ahora en el cine, magníficamente interpretado por Javier Bardem. Película triunfadora en muchos de los festivales más importantes de EEUU y principal favorita a los Oscars en las categorías de mejor película, director, guión y actor secundario en la próxima gala de 2008.

Lo mejor: Javier Bardem.

Lo peor: Se echan de menos más escenas de Javier Bardem.

7:35 de la mañana

2007-12-29T15:58:00.000+02:00

Aquí os dejo un cortometraje dirigido, escrito y protagonizado por el cineasta español Nacho Vigalondo, por el que obtuvo una nominación al Oscar en la categoría de mejor cortometraje de ficción. El título del corto es 7:35 de la mañana.

Javier Bardem, de premio en premio

2007-12-25T23:15:00.000+02:00

Javier Bardem sigue cosechando éxitos y premios en su camino triunfal hacia los Oscars 2008. Tras ser nominado al Globo de Oro al mejor actor secundario, premios que se entregarán en enero del próximo año, ha conseguido alzarse con el galardón en esta misma categoría en los festivales de la asociación de críticos de Boston, Chicago, Dallas, Nueva York, Phoenix y Whasington. Seis galardones de mucho prestigio en Estados Unidos que le consagran como el máximo favorito para alzarse con la estatuilla al mejor actor secundario en la próxma gala de los premios Oscar.

National Board Of Review 2007

2007-12-09T23:52:00.000+02:00

El otro dia se celebró la entrega de premios del "National Board of Review", el primer gran galardón en el camino hacia los Oscars. La gran triunfadora de la noche fue la nueva película de los hermanos Coen, No country for old men, protagonizada por el actor español Javier Bardem. La lista de los premiados es la siguiente:

- Mejor película: No country for old men.

- Mejor director: Tim Burton.

- Mejor guión adaptado: Hermanos Coen por No country for old men.

- Mejor guión original: Diablo Cory por Juno, y Nancy Oliver por Lars and the Real Girl.

- Mejor actor: George Clooney.

- Mejor actriz: Julie Christie.

- Mejor actor secundario: Casey Affleck.

- Mejor actriz secundaria: Amy Ryan.

- Mejor película animada: Ratatouille.

La lista completa de premiados en: http://www.imdb.com/Sections/Awards/National_Board_of_Review_USA/2007

Grandes citas cinematográficas

2007-12-02T22:08:00.000+02:00

"Fue aquella noche cuando Carl encontró su destino, y yo el mío... casi. Dicen que cuando conoces al amor de tu vida el tiempo se detiene... y es verdad. Lo que no dicen es que cuando se vuelve a poner en marcha, lo hace aún más rápidamente para recuperar lo perdido".

Albert Finney en Big Fish

Fallece Fernando Fernán Gómez

2007-11-22T23:11:00.002+02:00

Fernando Fernán Gómez falleció ayer, 21 de noviembre de 2007, a la edad de 86 años, tras sufrir una insuficiencia cardiorrespiratoria después de estar varias semanas ingresado.

El actor de nacionalidad española (aunque nacido en Perú) es considerado uno de los mejores actores nacionales de todos los tiempos, y uno de los más importantes del continente europeo. A lo largo de su carrera a ejercido tanto de actor, como de director y de guionista, y entre sus películas destacan El viaje a ninguna parte (1986) y El mar y el tiempo (1989), sus dos mayores obras como director/guionista, así como Belle Epoque (1992), El abuelo (1998), La lengua de las mariposas (1999) o Stico (1985), entre muchas otras.

Entre sus premios destacan, además de 6 premios Goya, dos Osos de Plata al mejor actor en el festival de Berlín y un Oso de Oro honorífico recibido en el año 2005 (en la foto).

El cine español, y mundial, lo echará de menos. Descanse en paz.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/name/nm0273178/

Vincent

2007-11-20T12:16:00.000+02:00

Vincent es un cortometraje dirigido por el cineasta norteamericano Tim Burton en 1982, y supuso el inicio de la brillante carrera del director. Este corto refleja fielmente el estilo típico de Tim Burton, lleno personajes sombríos que, según calificaron los productores de la Disney, "parecen animales muertos y tirados en medio de la carretera". A continuación os dejo el cortometraje en sus dos versiones: la doblada al español y la versión original; esta última contó con el mismísimo Vincent Price como narrador.

Versión en español.

Versión original en inglés.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0084868/

Javier Bardem, favorito para ganar el Oscar

2007-11-18T19:54:00.000+02:00

Lo decían hace meses en el programa de radio de Onda Cero A ver si te atreves: Javier Bardem será el primer español en ganar un Oscar al mejor actor, y lo hará por No country for old men. Se trata de la última película de los hermanos Coen, y entonces solo había podido ser vista por unos cuantos privilegiados en algunos festivales. Ahora, tras su estreno en las salas de EEUU, todo el mundo coincide en lo mismo: es el mejor trabajo de Bardem hasta la fecha. Y, por lo visto, el actor español es el favorito para alzarse con el Oscar al mejor actor en la próxima edición de los premios cinematográficos más prestigiosos del mundo.

Ya fue nominado por su excelente trabajo en Antes que anochezca, y unos años más tarde volvió a entrar en la lista de favoritos a obtener esa nominación por Mar adentro, nominación que finalmente no llegó. Ahora, sin embargo, es el primer favorito para obtener no solo la nominación, sino también pra proclamarse vencedor de este galardón en la próxima gala que se celebrará a finales de febrero o inicios de marzo. De momento, todas las críticas coinciden en lo mismo: ésta es una de las mejores películas de los últimos años, y Javier Bardem está francamente bien, siendo su actuación lo más destacado del film. En España tendremos que esperar hasta el mes de marzo para poder ver la película, pero antes, en enero, sabremos si nuestro mejor de la historia recibe finalmente esa esperada, y merecida, nominación.

(En la foto, Javier Bardem en su última película, No country for old men)

Grandes citas cinematográficas

2007-11-13T22:29:00.000+02:00

"Porque sueño, yo no lo estoy.
Porque sueño, sueño.
Porque me abandono
por las noches a mis sueños
antes de que llegue el día.
Porque no amo.
Porque me asusta amar.
Ya no sueño.
Ya no sueño."

Gilbert Sicotte en Léolo

Los Lunes Al Sol

2007-10-30T00:11:00.000+02:00

Título original: Los Lunes Al Sol.
País: España.
Año: 2002.
Dirección: Fernando León de Aranoa.
Guión: Fernando León de Aranoa, Ignacio del Moral.
Reparto: Javier Bardem, Luis Tosar, José Angel Egido, Nieve de Medina, Celso Bugallo, Joaquin Climent, Enrique Villén, Serge Riaboukine, Aida Folch.
Género: Drama.
Duración: 110 minutos.

Cuenta la historia de un grupo de hombres de un pueblo de Galicia que quedan sin trabajo tras el cierre del astillero donde trabajan. Cada uno de ellos se las apaña como puede para conseguir algo de dinero.

Obra cumbre de uno de los grandes del cine español, Fernando León de Aranoa, una película tan realista como brillante y emotiva, conmovedora, que te hace pensar. Destacan por encima de todo las interpretaciones de sus protagonistas, con un Javier Bardem y un Luis Tosar (y también el resto del reparto al completo) que no parecen estar actuando, sino que parecen estar viviendo. Una obra maestra. Inmejorable.

Lo mejor: La escena de "La cigarra y la hormiga" (aparte de las interpretaciones).
Lo peor: Nada.

Volver

2007-09-09T21:15:00.000+02:00

Título original: Volver.
País: España.
Año: 2006.
Dirección: Pedro Almodóvar.
Guión: Pedro Almodóvar.
Reparto: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, Antonio de la Torre.
Género: Drama.
Duración: 122 minutos.

Cuenta la historia de Raimunda (Penélope Cruz), madre de una hija adolescente, Paula (Yohana Cobo), y el repentino cambio en la vida de ambas al morir el marido de la primera (Antonio de la Torre, en el papel de Paco). Además, a su hermana Sole (Lola Dueñas) se le aparecerá el fantasma de su madre muerta hace tres años (Carmen Maura). Por último, una amiga de ellas, Agustina (Blanca Portillo), trata de averiguar qué fue lo que realmente pasó con su madre, desaparecida el mismo día en que murió la madre de Raimunda y de Sole.

Una película muy destacable en uno de los mejores años del cine español de los últimos tiempos. Destaca, ante todo, el elenco protagonista, realmente inmejorable. El estupendo guión refleja perfectamente ese estilo típico de Pedro Almodóvar al que tanto nos tiene acostumbrados (y que a muchos tanto nos gusta).

Lo mejor: Todo el elenco protagonista.
Lo peor: Quizá, la reacción de los protagonistas ante la aparición del fantasma de la madre muerta no resulta demasiado creíble... pero al fin y al cabo, esto es una película.

Grandes citas cinematográficas

2007-08-31T22:53:00.000+03:00

"El mejor truco que el diablo inventó fue convencer al mundo de que no existía."

Kevin Spacey en Sospechosos Habituales

Transformers

2007-08-28T15:49:00.000+03:00

Título original: Transformers.
País: EE.UU.
Año: 2007.
Dirección: Michael Bay.
Guión: Roberto Orci, Alex Kurtzman, John Rogers.
Reparto: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel.
Género: Ciencia Ficción.
Duración: 144 minutos.

Unos robots llegan a la Tierra para tratar de apoderarse del planeta, ya que este contiene la energía necesaria para la supervivencia de su raza. Pronto se desata una guerra entre dos razas distintas de robots, con los humanos de por medio...

Crítica breve: una de las peores películas que he visto en mucho tiempo. No recomendable para nada. Más de dos horas para contar una historia que podía contarse en 10 minutos. O mejor aún, podrían no haberla contado.

Lo mejor: Los créditos del final, cuando por fin acaba la película, más de dos horas de sufrimiento difíciles de soportar.
Lo peor: Todo.

Grandes citas cinematográficas

2007-05-20T19:19:00.000+03:00

"Es muy fácil saber contra qué se está, pero es difícil saber a favor de qué estás."

Cillian Murphy en El viento que agita la cebada.

Takeshis'

2007-05-05T16:39:00.000+03:00

Título original: Takeshis'.
País: Jápón.
Año: 2005.
Dirección: Takeshi Kitano.
Guión: Takeshi Kitano.
Reparto: Takeshi Kitano, Kotomi Kyono, Kayoko Kishimoto, Susumu Terajima, Ren Osugi.
Género: Comedia.
Duración: 108 minutos.

Beat Takeshi Kitano(Takeshi Kitano) es el más famoso actor de Japón. Kitano (también Takeshi Kitano), en cambio, es empleado de un supermercado, aunque su sueño es convertirse en actor y ser como ídolo, Beat Takeshi. Tras varios algunos encuentros entre los dos personajes, Kitano comienza a confundir la realidad con la ficción, y empieza a añadir elementos propios de las películas de Beat Takeshi a su vida diaria.

Takeshi Kitano fue nominado al León de Oro de Venecia, uno de los más prestigiosos premios de la actualidad, por esta película, que supone una especie de recopilación de todas sus anteriores obras: desde su lado más cómico y estúpido (en el buen sentido) de Getting Any?, hasta su lado más violento de películas como Brother o Violent Cop, pasando además por su lado más sensible de Dolls o El verano de Kikujiro. En otras palabras, se podría decir que Takeshi Kitano se hace un homenaje a sí mismo y a todos sus fans juntando en esta película todos esos aspectos que le han dado la fama de la que goza hoy en día. Solo Kitano es capaz de hacer algo así, de la misma forma que solo él puede rodar una escena en la que el segundo Kitano le pide un autógrafo al primero, o en otras palabras, en la que se pide un autógrafo a sí mismo.

Se trata de una película un tanto difícil, poco recomendable para los que que introduzcan en el mundo de Kitano por primera vez, así como para aquellos a los que no les guste pensar demasiado. Porque para conseguir entender esta película, muy al estilo de David Lynch (en cuanto a la mezcla de realidad-ficción), tiene que gustarte pensar, crear tus propias ideas, unir escenas aparentemente inconexas, con el fin de conseguir trazar un argumento lógico, o aparentemente lógico, que pueda darle sentido a la película. Una película muy recomendable para los fans de Kitano, y para todos aquellos a los que le guste el cine del estilo de David Lynch, ese tipo de cine que pocos aceptan pero que a los que lo aceptamos nos parece la mejor manera de expresarse dentro del séptimo arte.

Lo mejor: Que la película es una especie de homenaje/recopilación de toda la filmografía del director.
Lo peor: Que su complejo argumento aleje a mucho público de su visionado.

Grandes citas cinematográficas

2007-04-25T11:27:00.000+02:00

"Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal."

Billy Crudup en Big Fish.

Creature Comforts

2007-04-23T23:10:00.000+02:00

Creature Comforts es un cortometraje dirigido por Nick Park ("Wallace & Gromit", "Chicken Run") en 1989, y que fue galardonado con el Oscar al mejor cortometraje de animación. Años después, su creador decidió realizar una serie de televisión basada en este corto. A continuación os dejo con el cortometraje original. Está en inglés sin subtítulos.

Nosferatu

2007-04-17T19:53:00.000+02:00

El pasado viernes 13 de abril comenzó en Elche un ciclo de cine mudo que durará hasta comienzos del mes de mayo. La primera película de este ciclo fue "Nosferatu", película dirigida en 1922 por F.W. Murnau y que está considerada como una de las principales obras maestras del mundo del cine. La entrada era gratuita, para tratar de atraer a más gente, pero probablemente los organizadores no se esperaban tal respuesta por parte del público: lleno absoluto. Veinte minutos antes de empezar la película la entrada al cine estaba completamente abarrotada, y la cola en las afueras para conseguir un asiento llegaban hasta el final de la manzana, y eso que estaba lloviendo. A las nueve en punto, los encargados de realizar la música de la película en directo, quizá la principal atracción de esta propuesta, realizaron una pequeña presentación para inaugurar de manera oficial, ante las 160 personas que había allí, el ciclo de cine mudo que esa noche comenzaba. "Nosferatu", la primera película. Una obra maestra, no cabe duda, pero el cine ha evolucionado mucho, y estas películas ya no son ahora lo que un día fueron. Comprendo que en su momento esta película fuese algo realmente increíble, pero los tiempos cambian, y aunque hay películas que parecen no envejecer, como por ejemplo "Casablanca", hay otras a las que el tiempo les pasa factura. Y "Nosferatu" pertenece a este último grupo. No digo que sea mala; de hecho, no lo es. Pero la falta de diálogo a lo largo de unos 95 minutos puede llegar a cansar a muchos, en especial si de esos 95 minutos hay 30 que perfectamente podían haber sido eliminados sin que ello afectase a la película. Aun así, la película sigue siendo interesante, aunque como he dicho, puede llegar a cansar en algunos momentos. Pero la principal atracción era la música en directo. Y, personalmente, me decepcionó un poco. No se respetó la música original creada en 1922. De hecho, cientos de músicas diferentes se han realizado para esta película a lo largo de los años. En este caso, la música comenzó bastante bien, muy acorde con la película, pero conforme vamos avanzando, había momentos en los que dicha música parecía no tener mucho sentido y podía llegar a resultar algo desesperante, repetitiva e incluso molesta (si alguien la vio, que recuerde la escena en la que la protagonista está en la habitación, en la cama. Es el momento en que la música resultó más molesta). Aun así, al final de la película todo parece volver a su sitio, y con ello, la música, que vuelve a encajar perfectamente con las imágenes. En fin, yo espero que la gente que estuvo allí la disfrutase. Yo, aunque no lo parezca, la disfruté. Y él próximo sábado nos esperan "Un perro andaluz" y "La edad de oro". Yo estaré allí.

Aninag (Light's Play)

2007-04-12T00:38:00.000+02:00

Título original: Aninag.
País: Filipinas
Año: 2004.
Dirección: Rianne Hill Soriano.
Guión: Rianne Hill Soriano.
Reparto: Patricia de Silva, Karla Pambid, Joel Torre, David Trinidad Jr., Rency Van Dorpe.
Género: Fantasía.
Duración: 15 minutos.

Antes de irse a dormir, a Isabel, una niña ciega, su madre siempre le lee algún cuento. Un día, Isabel se despierta en uno de esos cuentos.

Este cortometraje fue dirigido por Rianne Hill Soriano en el año 2004. Está en versión original con subtítulos en inglés.

Para más datos sobre esta joven directora o sobre alguno de sus cortos, visita: http://www.riannehillsoriano.com

Rubber Johnny

2007-04-11T14:49:00.000+02:00

Título original: Rubber Johnny.
País: Estados Unidos.
Año: 2005
Dirección: Chris Cunningham.
Guión: Aphex Twin.
Reparto: Chris Cunningham, Percy Rutterford (voz).
Género: Fantasía, Terror, Animación, Musical, Ciencia Ficción.
Duración: 6 minutos.

Este cortometraje dirigido por Chris Cunningham en 2005 es un claro ejemplo de ese nuevo cine extraño y experimental, al estilo "Cabeza Borradora". Os lo dejo aquí puesto para que lo comprobéis vosotros mismos. Por cierto, está en versión original sin subtitular, pero tampoco es que eso importe demasiado.

Emo Pill

2007-04-11T02:05:00.000+02:00

"Emo Pill" es un cortometraje realizado por Anthony Spadaccini en el año 2006. Se un trata de un film experimental que mezcla la realidad y los sueños, y es un claro ejemplo de ese otro cine cuyo principal representante podría ser David Lynch. Como crítica, hay que decir que el cortometraje no llega a alcanzar un gran nivel e incluso puede llegar a parecer excesivamente largo, pero aunque solo sea por curiosidad, merece la pena verlo.

El cortometraje está en dos partes (debido a su duración, es imposible ponerlo en una sola), y en lo referente al idioma, no os preocupéis: no se dice ni una sola palabra.

Emo Pill (Parte 1/2)

Emo Pill (Parte 2/2)

Darkened Room

2007-04-09T14:14:00.000+02:00

Título original: Darkened Room.
País: Estados Unidos.
Año: 2002.
Dirección: David Lynch.
Guión: David Lynch.
Reparto: Jordan Ladd, Cerina Vincent.
Género: Drama.
Duración: 8 minutos.

Este cortometraje que os dejo a continuación fue realizado por el grandísimo director David Lynch en el año 2002. Está en versión original (inglés) sin subtitular. Espero que os guste.

Waking Life

2007-04-03T10:05:00.000+02:00

Título original: Waking life.
País: Estados Unidos.
Año: 2001.
Dirección: Richard Linklater.
Guión: Richard Linklater.
Reparto: Wiley Wiggins (voz), Robert C. Solomon (voz), Ethan Hawke (voz), Julie Delpy (voz), Bill Wise (voz), Alex Jones (voz), Violet Nichols (voz), David Sosa (voz) , Timothy Speed Levitch (voz), Glover Gill (voz), Charles Gunning (voz), Alex Nixon (voz), Steven Prince (voz), Ken Webster (voz).
Género: Animación.
Duración: 100 minutos.

El personaje al que da voz Wiley Wiggins sale de la estación, se sube a un extraño coche-barco que lo deja en un lugar que él no conoce, e inmediatamente después es atropellado por otro coche. Ahí empieza la verdadera historia de nuestro protagonista, que viajará por mundos, no se sabe si reales o imaginarios, en los que siempre escuchará una interesante converasción sobre la vida y la muerte, la realidad y los sueños. Y de eso precisamente es de lo que trata esta película: de los viajes a través de los sueños.

Original. Esa es la palabra con la se podría calificar a esta película. Todos nos hemos preguntado alguna vez cuál es el significado de la vida y de los sueños, qué sentido tienen, y eso es de lo que habla esta película. A través de una sucesión de escenas aparentemente inconexas, Robert Linklater viaja por el mundo de la realidad y los sueños, de los sueños dentro de los sueños, de la mente y de la imaginación. ¿Argumento? Solo eso, un viaje a través de estos diferentes mundos, en los que nos encontraremos, en cada uno de ellos, una conversación diferente sobre la vida, la muerte, la realidad o los sueños. Y aunque haya alguna que no nos ayude a descubrir el verdero argumento de la película, lo que no cabe duda es que todas ellas nos hacen, al menos, reflexionar.

Quizá la característica más importante de la película sea el estilo en el cuál está hecha. Me explico: la gente ve la ficha sobre la película y lee que es de animación, e inmediatamente lo relacionan con una película infantil de dibujos para niños pequeños. Craso error. De infantil, nada. Vale, es de dibujos, sí; pero no son dibujos a los que nos tienen acostumbrados. Aquí, los personajes, aunque estén dibujados intentado parecerse a quienes los doblan, pueden llegar a parecer tan reales como falsos, e incluso se puede llegar a pensar que nos están tomando el pelo, pues los contornos de dichos personajes se van moviendo a cada segundo que pasa, como si hubiesen decidido dibujarlos miles de veces, una para cada segundo de película, y en ninguna de ellas les hayan salido dos dibujos exactamente iguales. Sé que parece difícil de entender, sí, y por eso tan solo digo que hay que ver esta película. Porque si los personajes están dibujados de esa forma, no es porque el director quiera cachondearse del público, es simplemente para hacer la película todavía más difícil de entender, para involucrar e introducir al espectador en ese mundo onírico sobre el que trata la película. Y eso sí, si por casualidad todas esas facetas de la película te dan en algún momento dolor de cabeza, tranquilo: puede pasar. Al menos, con esta película. Mi consejo: descansa un rato, vuelve a vaciar tu mente (que probablemente se haya llenado de ideas a mitad de la película, aun habiéndola dejado vacía al comenzar a verla), y continúa luego con este maravilloso viaje a través de los sueños. Porque una vez empezado, merece la pena acabarlo. Aunque solo sea por escuchar algunas de las fascinantes conversaciones que nos deja el guión.

Lo mejor: La escena del interruptor.
Lo peor: Que las conversaciones pueden llegar a parecer algo repetitivas... pero en este caso, ¿es eso malo?

La Marea

2007-04-03T01:20:00.001+02:00

Este cortometraje, dirigido por Iván Sainz-Pardo, Jim-Box y Dirk Soldner, sorprendió a todo el mundo cuando fue proclamado vencedor del Festival de Gijón. Sin embargo, ese reconocimiento no resulta nada extraño tras su visionado. Se trata de una historia aparentemente simple, rodada con muy poco (o, mejor dicho, ningún) presupuesto, y que llega incluso a recordar, en cierta forma, a David Lynch. Espero que os guste.

Ultima Necat

2007-03-28T01:10:00.001+02:00

A continuación os dejo con el último trabajo del joven director Ángel Gómez Hernández, "Ultima Necat", ganador del primer premio del público en el Festival de Madrid Tor-Film. Espero que os guste.

El laberinto del Fauno

2007-03-20T13:40:00.001+02:00

Título original: El laberinto del Fauno.
País: España, México, Estados Unidos.
Año: 2006.
Dirección: Guillermo del Toro.
Guión: Guillermo del Toro.
Reparto: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Ariadna Gil, Doug Jones, Álex Angulo.
Género: Fantasía.
Duración: 112 minutos.

Ofelia (Ivana Baquero) y Carmen (Ariadna Gil), su madre, se trasladan a su nueva casa en las montañas, donde les espera el nuevo marido de esta, Vidal(Sergi López), un capitán del ejército franquista que tiene la misión de acabar con los últimos grupos republicanos que quedan en esas montañas tras la conclusión de la Guerra Civil española. Una vez allí, Ofelia trata de alejarse de todo aquello y decide crear su propio mundo, un mundo mágico en el que ella es una princesa y en el que será guiado por un Fauno (Doug Jones), que le dirá lo que tiene que hacer en cada momento.

Tres premios Oscar, siete premios Goya, tres Bafta, un Independent Spirit, etc., y así hasta un total de 48 premios ha recibido esta película a lo largo del año 2006 y comienzos del 2007. Y todos ellos, más que merecidos. Porque puede que algunos la tachen de simplona, pero más bien es todo lo contrario. Porque hay que saber mirar más allá de la propia historia y fijarse en cada escena, en cada momento, en cada detalle. Tanto en la historia real como en la creada por Ofelia, hay que fijarse en todo. Dos mundos distintos, el real y el fantástico, el temor y el refugio, la muerte y la vida, mezclados entre sí sin límite aparente; dos mundos con sus propias características, con sus propios hechos, sus causas y sus consecuencias, dos mundos que nos hacen ver lo más mágico y lo más cruel de la vida y de los seres humanos. Dos mundos para ser juzgados.

Y tanto en el uno como en el otro, las grandes actuaciones de los protagonistas nos hacen creer que todo es real, nos envuelven e introducen tanto en plena posguerra como en un mundo de hadas y faunos. Sergi López, Maribel Verdú, Ariadna Gil... estos grandes actores ya nos tenían acostumbrados, pero por suerte para el cine español, se podría decir que, esta vez sí, ha nacido una estrella: Ivana Baquero. Porque a pesar de que ya haya participado en diversas películas antes que en "El laberinto del Fauno", sin duda es esta última la que marcará su carrera y la que la dará a conocer, si no lo ha hecho ya, en el panorama cinematográfico no solo a nivel nacional, sino a nivel mundial. Goya merecidísmo a la mejor actriz revelación para esta niña de tan solo 12 años.

Pero si algo hay que destacar por encima de todo de esta película, aparte de su estupendo guión y la banda sonora, ese algo es la fotografía de Guillermo Navarro, sin duda muy por encima de lo visto últimamente en nuestro país. Vean la película y juzguen ustedes mismos.

En definitiva, se trata de una película de obligado visionado... y de obligado disfrute. Dos mundos, uno fantástico y otro real, y una sola (y magnífica) historia, caracterizada por un gran guión y unas grandísimas interpretaciones (no se sabe si los actores actúan tan bien gracias a la calidad del guión, o si son precisamente estas magníficas actuaciones las que hacen grande el propio guión), y adornada por una música y, sobre todo, por una fotografía, realmente increíbles.

Lo mejor: La aparición de una nueva gran actriz: Ivana Baquero.
Lo peor: Que haya quien la tache de simplona.

Ingrid Bergman

2007-03-15T15:49:00.001+02:00

Ingrid Bergman nació el 29 de agosto de 1915 en Estocolmo, y murió ese mismo día del año 1982, en Londres, a los 67 años. De procedencia sueca, por parte de padre, y alemana, por parte de madre, Ingrid quedaría huérfana a los doce tras el fallecimiento, primero de su madre, en 1918, y posteriormente de su padre.

Influenciada por su padre, fotógrafo y artista, Ingrid Bergman comenzó el camino hacia su sueño matriculándose, una vez finalizados los estudios, en el Royal Dramatic Theater de Estocolmo.

Tras una breve aparición en la película sueca Landskamp (1932), Ingrid inició su verdadera carrera como actriz en 1935, con la película Munkbrogreven, y en 1936, con Intermezzo. Tras su aparición en esta última película, el productor David O. Selznick le daría su primer papel en Hollywood en la película también llamada Intermezzo, que era un remake de la anterior obra protagonizada por la joven actriz.

Pero su mayor éxito y reconocimiento en la ciudad del cine le llegó gracias a su participación, junto a Humphrey Bogart, en la mítica película Casablanca (1942), dirigida por Michael Curtiz, y considerada como una de las mejores obras cinematográficas de todos los tiempos.

En los siguientes años, lograría la nominación al Oscar en 1943, por ¿Por quién doblan las campanas?, en 1944 por Luz que agoniza, en 1945 por Las campanas de Santa María, y en 1948, por Juana de Arco. Sin embargo, tan solo conseguiría la estatuilla por su interpretación en Luz que agoniza, en 1944, película que protagonizó junto a Charles Boyer, Jospeh Cotten y Angela Lansbury. Además, se convertiría en una de las musas de Alfred Hitchock al participar en Recuerda (1945), Encadenados (1946) y Atormentada (1949).

Poco después, Ingrid Bergman se marchó a Italia para convencer a Roberto Rossellini, persona a la que Ingrid admiraba, de que podía protagonizar una película suya. Y así fue. En 1950, Ingrid Bergman realizaría Stromboli, la primera de una serie de películas rodadas con el director italiano, entre las que destacan Europa 51 (1951) o Te querré siempre (1952). Sin embargo, la relación entre la actriz y el director fue más allá de las pantallas, hasta el punto de que ella decidió abandonar a su familia para casarse con Rosselini, cosa que supuso la ruptura de Ingrid Bergman con el público norteamericano, que no aceptaba dicha relación.

No sería hasta 1957 cuando Ingrid regresaría a Estados Unidos para rodar Anastasia, película que supuso su segundo Oscar de la Academia y el perdón por parte del público americano. A partir de entonces, la actriz continuaría su carrera con películas de menos renombre, entre las que cabe destacar Indiscreta (1958) o El Rolls-Royce amarillo (1964), además de Asesinato en el Orient Express (1974), por la que conseguiría su tercer Oscar, esta vez a mejor actriz secundaria (los dos anteriores fueron a mejor actriz principal), y Sonata de Otoño (1978), película que dirigiría el también sueco Ingmar Bergman, y por la que sería nominada al Oscar por última vez.

Ingrid Bergman fallecería en Londres el 29 de agosto de 1982, día en que cumplía 67 años. Póstumamente, la actriz recibiría los premios Emmy y Globo de Oro por su interpretación en la película realizada para televisión A woman called Golda (1982).

Te doy mis ojos

2007-03-15T13:13:00.000+02:00

Título original: Te doy mis ojos.
País: España.
Año: 2003.
Dirección: Icíar Bollaín.
Guión: Icíar Bollaín, Alicia Luna.
Reparto: Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa María Sardá.
Género: Drama
Duración: 106 minutos.

En plena noche, Pilar (Laia Marull), con mucho cuidado de no despertar a su marido Antonio (Luis Tosar), hace las maletas y se marcha, junto a su hijo Juan, a casa de Ana (Candela Peña), su hermana. Está cansada de tener que soportar el maltrato y el desprecio que recibe por parte de Antonio, y decide cambiar de vida. Sin embargo, al día siguiente, Antonio va a buscarla. Al principio, Pilar decide no hacerle caso, pero después se da cuenta de que sigue enamorada de él, y contra la voluntad de su protectora hermana Ana, Pilar decide comenzar una nueva relación con Antonio que, según dice, ha cambiado...

Ganadora de siete premios Goya (incluidos los de mejor película, mejor dirección, mejor actor, mejor actriz y mejor guión original), "Te doy mis ojos" es la película con la que Icíar Bollaín, si es que no lo había hecho ya, se consagraría como una de las mejores directoras españolas de la actualidad. Y esto con un tema que es tan simple como complicado: el maltrato doméstico. Un maltrato que se muestra en la película de forma tan real que hay mucha gente que, simplemente, decide no creerlo, alejar la vista, cerrar los ojos. Pero esta película va más allá de la ficción, porque la historia que se cuenta ocurre día sí día también en nuestro país, en el país vecino y en cualquier lugar del mundo. A todas horas, en todas partes. Esa es la realidad.

Icíar Bollaín pretende abrirnos los ojos ante uno de los principales problemas que, por desgracia, todavía existen. Pretende acercarnos a la historia que se cuenta, que haya gente que se identifique con los protagonistas, concienciar a esa gente de que tiene que hacer algo. Lo que no se puede es decir: "a mí nunca me pasará". Porque puede pasar. Porque ya pasa. Porque seguirá pasando. Y esto último es lo que debemos evitar, que siga pasando. En vez de decir que nunca nos pasará, actuemos, luchemos contra este problema que tantas muertes y sufrimiento causa al año. Luchemos contra el maltrato doméstico. ¿Medidas? Las necesarias para poner fin de una vez a este gravísimo problema.

Sin embargo, y volviendo de nuevo a la película, ésta relata el día a día de unas personas que, debido a las grandes interpretaciones de los protagonistas, no parecen estar actuando. Sin embargo, se trata de una película que, al partir de la única idea del maltrato doméstico, puede resultar demasiado larga e incluso a veces un tanto pesada, pues el mensaje parece quedar claro desde un principio. Es decir, que la película podía haberse contado en menos tiempo, aunque es bien cierto que la mayoría de las escenas son necesarias.

En definitiva, se trata de una historia simple pero compleja, ayudada con unas magníficas interpretaciones que hacen todavía más grande el guión pero que, sin embargo, puede llegar a hacerse algo pesada y, quizá, repetitiva. Aun así, es recomendable verla, aunque solo sea por concienciarnos de la gravedad del problema que se trata.

Lo mejor: Luis Tosar y Laia Marull.
Lo peor: Que el tema que se trata es, desgraciadamente, una realidad.

Derecho de familia

2007-03-12T22:14:00.000+02:00

Título original: Derecho de familia.
País: Argentina.
Año: 2006.
Dirección: Daniel Burman.
Guión: Daniel Burman.
Reparto: Daniel Hendler, Julieta Díaz, Arturo Goetz, Eloy Burman, Adriana Aizemberg.
Género: Comedia.
Duración: 102 minutos.

Ariel Perelman (Daniel Hendler) es un joven profesor que imparte clases de Derecho en la facultad. Entre sus alumnas se encuentra Sandra (Julieta Díaz), de quien Ariel está enamorado. Un día, sin motivo aparente, Sandra deja de venir a clase, y Ariel decide ir a visitarla. Poco después, Ariel y Sandra se casan y tienen un hijo, Gastón (Eloy Burman). Y aquí es donde comienza la verdadera película, que no cuenta más que el día a día de Ariel, así como su relación con Sandra y con Bernardo Perelman (Arturo Goetz), su padre.

Con "Derecho de Familia", Daniel Burman nos presenta otra de las tan de moda últimamente comedias dramáticas argentinas. Sin embargo, esta película, lejos de alcanzar el éxito de otras como "Luna de Avellaneda", "Historias mínimas" o "El abrazo partido" (esta última también del propio Daniel Burman), ha pasado, más bien, desapercibida. Y, la verdad, eso es algo que no sorprende demasiado. Con esto no quiero decir que sea una mala película, más bien al contrario. Incluso se podría decir que la película en sí es bastante buena en relación a la historia que se cuenta, probablemente porque el director sea un especialista en convertir historias de lo más simple en algo nuevo y original.

Si hay que destacar algo por encima de lo demás son las actuaciones. Todos, absolutamente todos los actores y actrices parecen no estar interpretando solo un papel, sino estar interpretando su propia vida. Eso, unido a que se trata de una historia que podría ocurrirle a cualquiera, nos hace parecer unos cotillas, unos mirones, puesto que parece que la historia que estamos contemplando no sea una película, sino la vida de alguien completamente ajeno a nosotros.

En definitiva, "Derecho de familia" se trata de una película que cuenta una historia de lo más simple, pero que sin embargo su director ha sabido contarla de una forma tan especial que incluso parece más compleja de lo que realmente es, ayudada en parte por las grandes actuaciones de los protagonistas, que no parece que estén interpretando, sino viviendo. Aun así, la película no ha conseguido ni el éxito ni el nivel esperado, e incluso en algunos momentos llega a hacerse algo pesada debido, precisamente, a esa simplicidad de la historia que se nos cuenta. En conclusión, se trata de una buena película para pasar el rato, pero si alguien va a verla con la intención de ver una obra maestra, o de tratar de compararla a otras películas como "Historias mínimas", "Luna de Avellaneda" o "No sos vos, soy yo", que se olvide: con eso, lo único que conseguirá es salir del cine algo decepcionado.

Lo mejor: Todo el elenco protagonista.
Lo peor: Que la gente vaya a verla esperando ver algo que realmente no es.

Una verdad incómoda

2007-03-08T15:57:00.000+02:00

Título original: An inconvenient truth.
País: Estados Unidos.
Año: 2006.
Dirección: Davis Guggenheim.
Reparto: Al Gore.
Género: Documental.
Duración: 100 minutos.

El documental nos muestra una de las conferencias realizadas por Al Gore, ex-vicepresidente de los Estados Unidos y candidato a la presidencia hace unos años. En esta conferencia, Al Gore nos explica los efectos que el cambio climático está causando en la actualidad y causará en un futuro, y nos advierte de la preocupante situación en que se encuentra el planeta ante este gravísimo problema que es el calentamiento global.

La gente oye hablar de problemas como el calentamiento global y, sin embargo, no hacen nada para tratar de luchar contra él; piensan que no es tan grave como parece, que no será para tanto, pero no es así. Es mucho más que eso. El problema que todo esto está causando no es nada comparado con lo que causará en un futuro, y se trata de un problema tan grande que probablemente un humano no sea capaz de imaginárselo por sí solo. Y una de las razones por las que se ha creado este documental es, precisamente, el ayudarnos a comprender la gravedad que supone este problema.

El documental es, básicamente, una conferencia realizada por Al Gore, a través de la cual, mediante una serie de gráficos y videos muy explicativos, nos muestra aquello contra lo que nos tendremos que enfrentar en un futuro no muy lejano. Tal vez, todo eso que nos cuenta pueda parecer algo difícil de creer, pero es real. Y ahí está el problema. Por eso, Al Gore trata de convencernos de que tenemos que hacer algo al respecto. Porque como él mismo dice, no basta con pasar de una despreocupación total a un pleno convencimiento de que hay que hacer algo rápidamente. Es decir, no hay que pasar de un extremo a otro; lo ideal es quedarse en el medio, quedarse en aquel punto en el que no solo se piensa sobre la gravedad del problema, sino que, además, se actúa, se hace lo necesario para evitar que ese problema llegue a mayores. Y es justo hacia ese punto donde este documental pretende conducirnos. Por una vez, tratemos de darnos cuenta de la gravedad de los problemas antes de que ya los tengamos encima.

Lo mejor: Que el documental nos abre los ojos y consigue que nos demos cuenta del problema al que nos enfrentamos.
Lo peor: Que, probablemente, nadie cambiará su modo de vida tras el visionado de esta película.

INLAND EMPIRE

2007-03-04T01:11:00.000+02:00

Título original: INLAND EMPIRE.
País: Estados Unidos, Polonia, Francia.
Año: 2006.
Dirección: David Lynch.
Guión: David Lynch.
Reparto: Laura Dern, Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton.
Género: Drama
Duración: 175 minutos.

Nikki Grace (Laura Dern) acaba de ser seleccionada por Kingsley Stewart (Jeremy Irons) para protagonizar su última película. Su pareja de reparto será Devon (Justin Theroux). Sin embargo, lo que ninguno de los protagonistas sabe es que la película que se disponen a hacer es un remake de otra inacabada película que, según se dice, está maldita. Después, el mundo y realidad de Nikki comenzará a mezclarse con el de Susan, su personaje en la película.

Veinte personas en el cine, y creo que todas hemos salido con la misma cara y con el mismo pensamiento: David Lynch es especial. Y especial no es mejor ni peor, sino solo eso, especial. Porque, en este mundo del cine, hay pocas personas capaces de crear una película de tres horas en las que no te cuentan nada y, a la vez, contártelo todo. Puede que haya recibido muchas críticas en contra por esta película, pero de lo que no cabe la menor duda es de que David Lynch es un genio.

Si ya decíamos que "Mulholland Drive" era una película de significado complejo donde las cosas no eran lo que parecían, esta, "INLAND EMPIRE" (en mayúsculas), es mucho más que eso. Tres horas dura y, en ellas, no hay un solo minuto de sentido común. Miento, sí que lo hay. Porque como en todas las películas de Lynch, el principio es bastante normal, una historia lineal donde nada es extraño y todo parece de lo más simple. Sin embargo, David Lynch es David Lynch, y en un solo instante, es capaz de cambiar el significado de la película por completo. Y a partir de ese momento, a pensar, porque en el caso de esta película, hay más de dos horas de escenas completamente confusas donde cualquier pequeña idea acerca del verdadero significado de la película va a ser estropeada por la escena que viene a continuación.

Grandes actuaciones (Laura Dern, sencillamente impresionante), gran guión, y gran música. Porque en las películas de David Lynch, la música está tan bien elegida que incluso parece formar parte de la propia historia, esa historia oscura y confusa que nos cuenta "INLAND EMPIRE", donde nada es lo que parece y donde la realidad se mezcla con la ficción sin dejar saber al espectador qué es qué.

Como conclusión, solo cabe apuntar que "INLAND EMPIRE" es una de esas películas que es muy difícil de explicar con palabras; una de esas películas que, simplemente, hay que ver. Y disfrutar, sobre todo disfrutar. Y después, que cada uno juzgue lo que quiera. Yo, personalmente, creo que David Lynch es uno de los mayores genios que ha dado el séptimo arte. Puede que tan solo esté jugando con nosotros, sí, pero nosotros somos quienes seguimos su juego.

Para acabar, os dejo una de las muchas grandes frases del guión: "From Hollywood, California, where stars make dreams and dreams make stars".

Lo mejor: Un David Lynch en estado puro, que obliga a pensar, y mucho, al espectador.
Lo peor: Que se piense todo lo que se piense, al espectador siempre le quedará la duda sobre qué es lo que realmente pretendía decirnos el propio Lynch.

Scrubs

2007-03-02T22:41:00.000+02:00

Título original: Scrubs.
País: Estados Unidos.
Año: 2001 - ????
Dirección: Varios directores: Zach Braff, Michael Spiller, Adam Bernstein, Ken Whittingham, Chris Koch, etc.
Guión: Bill Lawrence.
Reparto: Zach Braff, Sarah Chalke, Donald Faison, John C. McGinley, Judy Reyes, Ken Jenkins, Neil Flynn.
Género: Comedia.
Duración: Aprox. 20 minutos por capítulo.

J. D. (Zach braff), Elliot (Sarah Chalke) y Turk (Donald Faison) son tres jóvenes doctores que llegan que comienzan a trabajar en un hospital como médicos internos. Allí conocerán a Carla (Judy Reyes), una enfermera dispuesta a ayudarles en todo lo que le sea posible, y a los doctores Bob Kelso (Ken Jenkins) y Perry Cox (John McGinley); el primero de ellos, jefe del hospital y de apariencia inocente, resulta ser, en el fondo, un ser cruel y despreciable, dispuesto a cualquier cosa con el fin de hacer que la estancia de nuestros tres jóvenes médicos en el hospital sea lo más dura posible; el segundo, Perry Cox, es el mejor médico del hospital, de apariencia dura y temible, pero dispuesto a ayudar a los internos cuando lo necesiten. En el hospital también se encuentra el conserje (Neil Flynn), probablemente el personaje más peculiar de la serie, pues su único objetivo capítulo tras capítulo es fastidiar a J.D. en todo lo posible.

Al contrario que series como "House" o "Anatomía de Grey", "Scrubs" no es una simple serie de médicos. Así pues, si esperabas ver otra de las tan de moda series de hospitales, más vale que no veas "Scrubs". Porque esta serie va más allá. Se trata de médicos como podría tratarse de abogados o policías. Porque el hospital es tan solo la base donde necesita apoyarse la verdadera historia, la historia de nuestros protagonistas, sus vidas, sus problemas, sus pensamientos, etc. Es cierto que el hecho de que se trate de médicos también juega un papel importante, pues sobre esta historia, la de los médicos, sobre la que se asienta la parte seria de la historia. Y es por eso por lo que esta serie va más allá, porque aparte de ser, en cierto sentido, algo serio, también tiene su lado cómico. Es más, me atrevería a decir que esta serie, "Scrubs", es una de las mejores series de humor de los últimos tiempos, con chistes a veces fáciles y situaciones, quizá, previsibles, pero aun así, que no dejan indiferente a nadie. Cada personaje protagonista tiene una personalidad marcada, personalidad que adoptan en el primer capítulo y que los acompaña a lo largo de todas las temporadas, personalidad que ninguno de los personajes abandona en ningún momento. Y es a partir de ese carácter y personalidad de donde salen los mejores chistes y las mejores historias. Así pues, "Scrubs" es una serie con dos partes bien distintas, una seria y otra cómica, que en ocasiones llegan a juntarse para hacer a esta serie aún más grande de lo que ya es.

En definitiva, "Scrubs" es una serie muy recomendable, que se aleja del modelo de esas típicas series de médicos tan de moda hoy en día, y con un humor fresco e innovador, que no dejará a nadie indiferente. Muy recomendable.

Razzies 2007

2007-02-27T14:41:00.000+02:00

El pasado 24 de febrero se celebró la entrega de los premios Razzies, más conocidos como los "antioscar", y la gala tuvo dos nombre propio: el primero de ellos es el de Sharon Stone, pues la conocidísima actriz fue la triunfadora de la noche al llevarse el premio a la peor actriz por "Instinto Básico 2", superando incluso a las hermanas Haylie y Hilary Duff, dos personas que, igual que Paris Hilton, fingen ser actrices sin llegar a conseguirlo; el segundo nombre fue el de M. Night Shymalan, ganador de los premios a la peor dirección y al peor actor secundario. Quizá este nombre puede que no sea demasiado conocido, pero para aclarar las cosas, M. Night Symalan es el director de la reconocida película "El sexto sentido", que recibió grandes críticas y que, incluso, llegó a ser nominada a los Oscar en la categoría de mejor director. Pero a partir de ahí, su director comenzó a caer en picado hasta "La joven del agua", película que hace unos días triunfó en estos premios Razzies. Además de estas dos películas, "Pequeño pero matón" también tuvo su "reconocimiento" al conseguir 3 de estos premios, incluido el de peor actor, y Carmen Electra, esa "grandísima" actriz, fue reconocida como la peor actriz secundaria, por sus actuaciones en "Date Movie" y "Scary Movie 4".

Película por película, la gran triunfadora fue "Instinto Básico 2", ganadora, aparte del ya mencionado premio a peor actriz, de los galardones a peor película, peor guión y peor secuela. "Pequeño pero matón" consiguió tres galardones (peor actor, peor remake y peor pareja protagonista), mientras que "La joven del agua" acabó la noche con las dos estatuillas ya mencionadas. Con un premio, se fueron "Scary Movie 4" y "Date Movie", que compartieron el premio a la peor actriz secundaria, y "Rv", ganadora del premio a la peor excusa de película de entretenimiento familiar.

Por cierto, Uwe Boll y su "BloodRayne" acabaron, contra pronóstico, de vacío, igual que Ron Howard, uno de los directores más sobrevalorados de todos los tiempos, que al final no consiguió alzarse con la estatuilla a la peor dirección.

Todos los ganadores y nominados de los Razzies 2007 en: http://www.imdb.com/Sections/Awards/Razzie_Awards/2007

Eduardo Manostijeras

2007-02-27T01:40:00.000+02:00

Título: Eduardo Manostijeras.
Título original: Edward Scissorhands.
País: Estados Unidos.
Año: 1990.
Dirección: Tim Burton.
Guión: Caroline Thompson, con historia de Tim Burton.
Reparto: Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest, Anthony Michael Hall, Kathy Baker, Vincent Price.
Género: Fantasía.
Duración: 105 minutos.

Peg (Dianne Wiest), una vendedora sin éxito de productos de limpieza, decide visitar un castillo situado en el pequeño pueblo donde ella vive. Allí se encuentra con Eduardo (Johnny Depp), un joven que vive solo desde el fallecimiento de su inventor (Vincent Price). Peg decide acoger a Eduardo en su casa, cosa que revolucionará al pueblo entero, debido a la peculiaridad del joven: en vez de manos, tiene tijeras, debido a que su inventor murió antes de poder terminarlo. Una vez en el pueblo, Eduardo se enamorará de Kim (Winona Ryder), la hija de Peg.

Probablemente, "Eduardo Manostijeras" se trate de la película más emotiva hasta la fecha del fantástico realizador Tim Burton. En esta obra, el director crea ese mundo y ese ambiente tan especial y llamativo que tanto le ha caracterizado a lo largo de su filmografía, y que ya comenzó a utilizar en su anterior trabajo, "Beetlejuice". Si en esa película se nos contaba una historia acerca de la vida después de la muerte, esta vez Burton nos introduce en su mundo a través de una historia sencilla y cautivadora, que consigue llegar a los corazones de todos aquellos que han tenido el placer de verla y disfrutarla.

Sin embargo, la película también goza de un cierto contenido moral: a través de la actitud del pueblo, se demuestra como hay personas que pueden llegar a ser tus mejores amigos o tus peores enemigos, y como la gente, en general, siempre acaba juzgando sin saber. Y es que los seres humanos podemos llegar a ser muy crueles, hasta el punto de marginar a alguien que, probablemente, sea la mejor persona que jamás conozcamos.

Lo mejor: El fantástico mundo creado por Burton y que envuelve a (casi) todas sus obras.
Lo peor: Que la historia demuestra la triste realidad en la que vivimos.

Oscar 2007

2007-02-26T13:43:00.000+02:00

Anoche tuvo lugar la ceremonia de entrega de los Oscar, premio por excelencia dentro del mundo del cine. Sin embargo, para mucha gente, entre los que me incluyo, este premio se va quitando credibilidad poco a poco conforme pasan los años. Y es que si la lista de nominados hecha pública hace un mes ya parecía ridícula, la entrega de los premios puede calificarse de vergonzosa. Y con esto no quiero decir que algunos de los ganadores no debieran haber ganado, sino que a la Academia se le nota demasiado "el plumero", y como su nombre indica, se trata de los Oscar de HOLLYWOOD, y según parece, de nadie más.

De entre los ganadores, cabe destacar a Martin Scorsese, ganador del Oscar (merecido) a la mejor dirección por Infiltrados. En cuanto al resto de ganadores, prácticamente no ha habido sorpresas: la Academia puede llegar a ser, en ocasiones, demasiado previsible. Mejor actor Forest Withaker y mejor actriz Helen Mirren, principales candidatos y vencedores de un premio que no sorprendió a nadie, pues desde hace un par de meses ya podían considerarse ganadores. En cuanto a actor y actriz secundaria, los ganadores fueron Alan Arkin y Jennifer Hudson. En cuanto a mejor guión original, sorprendentemente, el ganador fue Michael Arnt por Pequeña Miss Sunshine. No digo que sea un mal guión, pero teniendo enfrente a películas como Babel y El laberinto del Fauno, su victoria se hace incomprensible. En el apartado de mejor guión adaptado, Infiltrados ganó el premio por delante del magnífico guión de Hijos de los hombres. Pero es que en esta última película, el candidato era Alfonso Cuarón, mexicano, y la academia siempre tiende a tirar para lo suyo...

En cuanto al resto de los premiados, mencionar las tres estuillas de El laberinto del Fauno, a mejor maquillaje, dirección artística y fotografía, este último muy merecido y cuya derrota le habría quitado aún más credibilidad a la Academia. Además, ninguno de los cortometrajes españoles nominados (Binta y la gran idea y Éramos pocos) consiguió salir vencedor, y el premio a la mejor película de habla no inglesa (premio al que, personalmente, creo que, al no haber sido nominada, de forma incomprensible, Volver, de Pedro Almodóvar, solo optaban dos películas: La vida de los Otros y El laberinto del Fauno. El resto de nominados, de relleno...) fue para un director alemán de nombre impronunciable, Florian Henckel von Donnersmarck, por La vida de los otros. No ganó Guillermo del Toro, pero esta vez el premio fue merecido.

Por cierto, del ganador a la mejor película mejor no hablar, pues aquí se nota claramente hacia qué lado tira la Academia. Pero por si a alguien le interesa, el vencedor fue Infiltrados...

Todos los ganadores en: http://imdb.com/Sections/Awards/Academy_Awards_USA/2007

Mulholland Drive

2007-02-24T10:56:00.002+02:00

Título original: Mullholland Drive.
País: Estados Unidos.
Año: 2001.
Dirección: David Lynch.
Guión: David Lynch.
Reparto: Laura Elena Harring, Naomi Watts, Justin Theroux, Ann Miller.
Género: Misterio, Drama.
Duración: 145 minutos.

La película cuenta la historia de Betty, una joven aspirante actriz que, recién trasladada a la casa de su tía en un barrio de Hollywood, se encuentra con la visita de Rita, otra joven que acaba de tener un accidente de tráfico del que ha sido la única superviviente. Sin embargo, Rita no recuerda nada de su vida anterior, y con la ayuda de Betty, comenzarán una búsqueda con el objetivo de averiguar quién es realmente Rita.

Si hay un director que consiga desesperar al espectador debido a la complejidad de sus películas, ese es David Lynch. Sin embargo, la palabra desesperar tendría, en este caso, un sentido positivo. Y es que entender una película de David Lynch con tan solo un visionado se ha convertido en todo un reto. Es más, entender una película suya, la veas las veces que la veas, ya es, de por sí, todo un reto. Lógicamente, a esto hay excepciones, como por ejemplo "Una historia verdadera", una fantástica película que no tiene nada de misterioso. Sin embargo, otras películas suyas como "Eraserhead", "Carretera Perdida" o esta, "Mulholland Drive", sí que están envueltas en un misterioso mundo donde el más mínimo detalle puede ser el elemento más importante para tratar de encontrar algún sentido lógico en la historia que se nos cuenta.

En el caso de Mulholland Drive, David Lynch dijo, en su día, que había 10 pistas en la película que ayudarían al espectador a encontrar el significado de la propia película. Sin embargo, encontrar estas pistas no es tan fácil, y averiguar lo que el director pretende contarnos, aun habiendo encontrado las pistas y sabiendo por seguro que esas y no otras son aquellas pistas a las que Lynch se refería, es tarea prácticamente imposible. Por eso, mucha gente prefiere, simplemente, dejarse llevar por la película, y disfrutar de ese oscuro y misterioso mundo creado por Lynch en el que la realidad no es lo que parece, y en el que la banda sonora de Angelo Badalamenti (autor, entre otras, de la maravillosa música de "Twin Peaks") pone el toque final para tratar de hacer esta película, si cabe, más misteriosa. Por cierto, ayer se estrenó en España "Inlad Empire", la última película de David Lynch. Y según dicen, la más misteriosa y menos lógica de todas sus obras.

Lo mejor: Que David Lynch consigue que cada espectador se haga su propia idea, existiendo cientos de teorías diferentes acerca del verdadero significado de la película.
Lo peor: Que no haya más directores que, como Lynch, se atrevan a desafiar al séptimo arte.

Pesadilla antes de Navidad

2007-02-23T14:30:00.000+02:00

Título: Pesadilla antes de Navidad.
Título Original: The Nightmare before Christmas.
País: Estados Unidos.
Año: 1993.
Dirección: Henry Selick.
Guión: Caroline Thompson, con historia de Tim Burton.
Reparto: Danny Elfman (voz), Chris Sarandon (voz), Catherine O'Hara (voz), Glenn Sadix (voz), William Hickey (voz), Kep Page (voz).
Género: Animación.
Duración: 76 minutos.

"Pesadilla antes de Navidad" narra la historia de Jack Skellington, la persona más importante de la ciudad de Halloween, y como un día, descubre la existencia de otros mundos, de los cuales, uno de ellos, consigue llamar su atención: la ciudad de la Navidad. A partir de ese momento, Jack intentará traer la Navidad a la ciudad de Halloween.

Si el nombre de Tim Burton comenzaba a tomar importancia en la industria cinematográfica a finales de los 80 y comienzos de los 90 debido a películas como "Batman", "Beetlejuice", o "Eduardo Manostijeras", se podría decir que con esta película consiguió alcanzar uno de los mayores éxitos de su carrera. Pero, curiosamente, "Pesadilla antes de Navidad" no fue dirigida por él, sino por Henry Selick, persona a quien confió la dirección de la película debido a que Burton se encontraba en esos momentos realizando el rodaje de "Batman Returns" (1992). Sin embargo, la película está basada en una historia y personajes del propio Burton, y acompañada por una magnífica banda sonora de Danny Elfman, hombre de confianza de Burton que pone música a prácticamente todas las películas del director.

En definitiva, "Pesadilla antes de Navidad" es un "Stop Motion" que, a través de una historia tan fantástica como sencilla, y acompañada por una música memorable, nos sumerge en un mundo mágico, en aquel mundo en el que a todos nosotros nos gustaría estar alguna vez.

Lo mejor: Todo.
Lo peor: Que por tratarse de una película de animación, haya gente que no se moleste en darle una oportunidad.